Jusqu’à présent, la compétition ronronne, Le Prophète d’Audiard reste de loin le meilleur film vu, mais il manque un choc esthétique, une épiphanie, la certitude d’avoir vu le film après lequel on peut quitter le festival sans regrets. Ce n’est pas L’imaginaire du docteur Parnassus (hors compète) qui fera l’affaire, malgré ses qualités: le dernier film avec Heath Ledger est surtout le plus Gilliamien depuis longtemps: un mélange des Monty Python, de Münchausen et de Fisher King. Sympathique, mais c’est du cinéma d’un autre temps.
Visage, deTsai Ming Liang restera probablement dans les mémoires comme le défi le plus extrême  du Taiwanais dans sa quête de pousser les limites de la patience. En quittant Taiwan pour Paris, il laisse tomber ses thèmes habituels (solitude, ambiguité sexuelle) pour rendre un hommage arty à la nouvelle vague via quelques interprètes emblématiques (Fanny Ardant, Jean-Pierre Léaud,…). Le tout à sa façon: narration inexistante, plans-séquences interminables, escapades musicales improbables, dialogues non sensiques. Dès le début, les fauteuils ont claqué. Même certains journalistes parmi les plus hard core n’ont pas supporté et ont quitté la salle avant la fin…
Pour assister à Soudain le vide, il fallait arriver tôt. La salle étant comble 30 minutes avant le début, on pouvait patienter en assistant en direct à la retransmissisn de la montée des marches par les VIP munis de tickets. Gaspar était accompagné de ses interprètes, qui comprenaient deux enfants. Dans la salle, les enfants ont salué la foule, avant d’être raccompagnés . On comprend pourquoi: le film adopte un point de vue adulte pour retracer   la vie d’un frère et d’une soeur orphelins qui se retrouvent à Tokyo. Il deale, elle est danseuse dans un strip club. Après la mort du dealer, le film décrit son expérience en caméra subjective, sa vie qui défile en flash backs, et les réactions de ses proches. Le sexe  joue un rôle déterminant dans le destin des personnages, la mort est envisagée avec une étrange sérénité, et la structure en boucle est idéale pour affirmer une vision cosmique de la vie.  Le temps est suspendu, les 2H30 passent comme une expérience hallucinogène. Visuellement, c’est le film le plus audacieux du festival. Contrairement à Antichrist, trop cérébral pour servir son sujet très viscéral, Soudain le vide trouve un équilibre idéal entre la pensée et la sensation. Ses influences kubrickiennes sont évidentes, mais Noe s’en nourrit et les pousse encore plus loin. C’est une véritable oeuvre d’art moderne, le choc tant attendu, le sommet du festival. Après ça, impossible de voir un autre film avant un bout de temps….

7 heures.La nuit a encore été courte. Il faut se lever de

bonne heure pour aller voir Inglorious basterds, l’un des

films les plus attendus du festival, même si certains y vont

avec un fusil à pompe. 2H30 plus tard, le film laisse une

impression mitigée: c’est encore un pur fantasme d’amateur de

culture pop, qui revisite l’histoire en imaginant qu’Hitler a

été vaincu par le cinéma. On ne  s’ennuie pas, et Tarantino

a mis en veilleuse sa propension aux tirades interminables, mais on

ne retient pas grand-chose, parce que les personnages sont

liquidés avant qu’on n’ait eu le temps de s’y attacher. Seule

exception l’acteur CHristoph Waltz qui joue le méchant. Il est

une révélation, et il faut créditer Tarantino pour écrire des

rôles et diriger les acteurs d’une façon qui les met

systématiquement en valeur. Ils sont presque tous bons,

malgré le parti pris risqué d’avoir fait parler des Allemands

en allemand, etc… Diane Kruger en profite, elle qui

n’a jamais vraiment convaincu auparavant. Les Français s’en

tirent le moins bien, probablement parce que le réal n’avait

pas l’oreille pour s’en rendre compte (leurs dialogues sont

pauvres et maladroitement dits). Manifestement, le film n’est

pas fini, la musique n’est pas définitive, pas toujours bien

mixée, et la bande son est carrément incomplète dans

certaines scènes. Et le film gagnerait probablement à être

remonté. Mais il reste peu de temps avant la date de sortie

prévue pour aout.

Nang Mai de Pen Ek Ratanaruang est à la fois reposant et

décevant. D’une certaine façon, c’est un film de fantômes

moderne situé dans le contexte d’un couple urbain au bord de

la séparation.Une escapade dans la jungle (où le mari

photographe a été envoyé en reportage), est l’occasion d’un

incident bizarre et révélateur: le mari disparaît, et la

femme se rend compte alors qu’elle tient à lui. Lorsqu’il

revient, on ne sait pas si c’est sous la forme d’un fantôme

ou s’il est lui-même possédé par les esprits de la forêt.

Cette ambiguité rend bien compte d’une volonté de traduire la

présence de l’invisible, mais le réalisateur, qu’on a connu

plus inspiré visuellement, nous gratifie d’une image

nébuleuse qui donne l’impression de regarder à travers un

papier calque.

Pour terminer, un petit tour de train fantôme avec Drag me to

hell dans lequel Sam Raimi retourne à ses sources, l’horreur

qui fait sursauter et hurler de plaisir. De fait, c’est assez

rafraîchissant. Raimi  n’a pas perdu la main , et donne presque

dans la nostalgie avec une belle séquence de cimetière qui

rappelle l’esthétique des années 80, période Poltergeist.

Journée tranquille aujourd’hui: juste un film à rattraper,

Vincere du vétéran (70 ans) Marco Bellocchio. Sur ce point,

rappelons s’il en était besoin, que le nombre des années

est loin de représenter un handicap, et que beaucoup de

cinéastes étaient en pleine possession de leurs moyens à 70

ans.  John Huston en avait 73 quand il a réalisé Le malin;

Luis Bunuel 72 pour Le charme discret de la bourgeoisie; ou

Clint Eatswood 73 pour Mystic river. Bellochio, qui a connu

une  seconde jeunesse à partir de  2002 avec Le sourire de ma mère, poursuit

sur le méme élan avec Vincere, qui raconte la

liaison d’une femme avec Musssolini jeune, et son opiniâtreté

à vouloir se faire reconnaître comme son épouse légitime et

la mère du premier fils du dictateur. Comme d’habitude chez

Bellochio, le film est beau (photographié par Daniele Cipri)

mais exigeant et complexe. Sa densité donne beaucoup à

réfléchir, et comme Bellochio n’est pas du genre à surligner,

il présuppose de la part du spectateur des notions suffisantes en

Histoire pour saisir certaines allusions et faire le lien avec la  petite histoire .

Le parcours de Mussolini, qui est passé par les étapes les plus contradictoires

avec une égale conviction (socialisme, anarcho-syndicalisme, pacifisme, puis

interventionnisme et nationalisme) explique comment il a pu se

laisser séduire par une femme pour la jeter ensuite sans

pitié. Le film est raconté du point de vue de cette femme,

fidèle à elle-même au-delà du raisonnable, qui accepte les

pires épreuves pour ne pas renoncer à sa vérité.

Volontairement ou non, Bellochio va jusqu’à insinuer le doute

sur cette relation, dont il n’existe aucune preuve, sinon dans

la conviction de cette femme. Le doute est amplifié par les

ellipses temporelles qui font sauter plusieurs années, et la

ressemblance toute relative de l’acteur qui joue Mussolini

jeune, avec les images d’archives qui montrent le duce après

sa prise de pouvoir.  En tout

cas, le portrait de cette femme la classe parmi  les personnes entières et

intransigeantes,  qui n’acceptent aucun  compromis: pour eux,  il n’y a que

le jour ou la nuit, le bien ou le mal. Lorsqu’ils s’engagent,

ils risquent le tout pour le tout.Elle a tout perdu…

Ce soir, pas de fête. C’est l’occasion d’aller au Petit

Majestic pour retrouver la mafia internationale des amateurs

de cinéma de genre. On peut y passer des heures, même s’il

faut se lever tôt pour le Tarantino….

L’emploi du temps permet enfin d’aller jeter un oeil au marché. Hélas, pour ne voir que le dernier Argento, Giallo. Adrien Brody joue un flic qui aide Emmanuelle Seigner à retrouver sa soeur kidnappée par un fou qui se venge de sa difformité physique en torturant et en estropiant des filles choisies pour leur beauté. N’importe quel épisode de Nip/Tuck est mieux réalisé, et je n’ai eu droit qu’à la version pour la télé, débarrassée des scènes de sexe et de violence. Le soir, projection unique à la semaine de la critique de Hierro, un film qu’on nous vend comme le nouvel espoir du cinéma d’horreur espagnol.  Il est  parrainé par Juan Carlos Fresnadillo et Juan Antonio Bayona, dont L’orphelinat présentait quelques points communs avec ce film qui suit une mère dont le fils a disparu. En fin de compte, Hierro est un brouillon sympathique mais plombé par une musique envahissante et des moyens très rudimentaires.

Pour terminer, un petit tour à la fête Chopard qui ne ressemble pas à une fête cannoise: le luxe est un autre monde, plein de très belles filles, mais complètement hors de prix.

Vengeance
Gros suspens avant la projection de Vengeance . Que peut donner ce film de commande, le plus gros budget dont ait disposé Johnnie To, financé par les Français de ARP, avec Johnny en tête d’affiche? Ce produit hybride fait nager le petit maître hong kongais hors de son bocal habituel, même si l’action se passe toujours à Hong Kong et Macao.A l’arrivée, c’est une semi déception: un catalogue du savoir-faire de Johnnie To à l’usage de ceux qui n’auraient pas vu ses précédents. L’histoire est banale et ne lui a inspiré que quelques bonnes scènes éparses, et ses interprètes habituels (Anthony Wong, Lam Suet, Simon Yam,..) ne font que se répéter avec désinvolture.Johnny s’en tire bien, dans un rôle heureusement limité en dialogues. Mais Vengeance prouve a contrario que To n’est jamais aussi inventif que sous la contrainte, soit parce qu’il doit pallier un budget réduit, soit parce que son instinct lui interdit de se répéter. Ici, le confort ne lui a pas rendu service.

Bien qu’indiscutablement raté, Ne te retourne pas ne manque pas d’intérêt. Marina De Van est  une scénariste/réalisatrice qui cherche à s’affranchir des dogmes hérités d’un certain cinéma auteuriste français. Cet héritage archaïque qui préfère  le réel (des frères Lumière) à l’imaginaire (de Mélies), a forcément occulté quelques principes fondamentaux que De Van est courageusement en train de redécouvrir, à défaut de les réinventer. Son film s’en trouve neutralisé par quelques maladresses élémentaires. La plus importante étant que l’histoire ne justifie pas en fin de compte de faire jouer un même personnage par deux actrices. Mais sans  erreurs, pas de progrès.

Enfin, un film qui fait la quasi unanimité contre lui:  Kinatay de Brillante Mendoza raconte comment une prostituée  est enlevée, battue, violée, tuée et démembrée.
L’astuce, c’est que Mendoza (qui nous avait donné Serbis l’an dernier) n’y vient pas tout de suite.  On avait aussi eu droit à ce genre de teasing avec Los Bastardos. Sauf qu’ici, on nous promène pendant une bonne heure dans les embouteillages à bord d’une camionette, sans autre justification que de nous mettre dans le même état d’insensibilité que les complices de ce qui va arriver.Alors, on ne ressent plus rien, ni pour la victime, ni pour les bourreaux. Seule la musique amniotique, bizarrement inspirée de celle de Massacre à la tronçonneuse,  suggère que nous sommes dans un film d’horreur. Quand au raccord final sur le hachoir à viande, il ne renvoie pas aux   slashers des années 80 (qui ont souvent utilisé ce gag idiot), mais il fait allusion au titre, qui veut dire Boucher.Ceux qui ne le savaient pas ont dû être surpris.
Antichrist de Lars Von Trier fait bien la paire avec Kinatay, puisqu’il a été haï par une majorité de festivaliers.
Il raconte  l’enfer d’un couple qui a perdu un enfant et cherche à surmonter le deuil . Mais les bonnes intentions du mari psy provoquen  chez son épouse des effets psychosexuels désastreux et graphiquement représentés . Toujours victime de ses propres démons contradictoires (provoc puérile, misanthropie maladive, misogynie) Von Trier empêche son film d’atteindre la hauteur de son ambition. C’est quand même son meilleur depuis Breaking the waves.

A l’occasion d’un dîner Première en l’honneur d’Isabelle Huppert, la présidente arrive accompagnée de la quasi totalité de son jury. Il est évidemment interdit de parler des films de la compétition, mais la question de la filiation  ne manque pas de propvoquer une réaction de ma voisine Asia Argento. On évoque en passant Audiard et son héritage paternel, avant de se demander à qui Francis Ford Coppola s’adresse lorsque , dans son film  Tetro (montré à la Quinzaine des réalisateurs), il fait dire à un des ses personnages qu’il ne peut y avoir qu’un seul génie dans une famille. S’adressait-il à son père Carmine, le musicien, ou à  sa fille Sofia? Asia (dont le père a un long-métrage au marché du film), rappelle qu’être un “enfant de” exige deux fois plus d’efforts pour s’imposer…

A Cannes, la sélection est une chose. Elle représente des mois de travail pour une équipe qui se consacre presque exclusivement à visionner des films, souvent incomplets. Une fois le  tri fait, il s’agit de répartir les films au long des dix jours de festival. C’est une autre affaire , tout aussi importante et délicate, puisqu’elle impose une cadence, ménage les surprises, répartit les pauses, varie les plaisirs, maintient l’intérêt. Jusqu’à présent, cet aspect de la programmation est sans faute. Thierry Frémeaux a réussi  à garder un niveau constant de curiosité  pour nous attirer  tous les matins à l’aube dans la salle Lumière. Aujourd’hui, une légère appréhension précède  l’épreuve  : le déficit de sommeil commence à se faire sentir, et la durée du Prophète de Jacques Audiard (2H30) a de quoi inquiéter légèrement . En fin de compte, c’est de loin le meilleur film de la compétition jusqu’à présent.  Il se déroule presque entièrement en  prison, et suit l’évolution d’un petit délinquant : en arrivant, il n’a rien et il n’est personne, mais à force d’intelligence, il s’adapte aux circonstances pour les tourner à son avantage.   C’est diaboliquement malin, documenté comme Sur écoute,  si dense qu’il faudra plusieurs visions pour en faire le tour, et plus fort que des litres de café. Difficile d’enchaîner après ça.

Mother de Bong Joon Ho (dans la section Un certain regard) en fait les frais. Il démarre très mal : un neuneu est accusé d’avoir tué une fille qui couchait un peu avec tout le monde. Persuadée de l’innocence de son fils, sa mère s’engage dans une enquête forcément chaotique et, pour tout dire, invraisemblable dès le début. Deux pénibles heures et vingt minutes plus tard, le constat est accablant :  gros ratage de la part de celui qui nous avait donné les impeccables The host et Memories of murder.

Rendez-vous, entretien avec Ang Lee, rendez-vous, stratégie, travail, finissent par me faire rater la projection de Kinatay de Brillante Mendoza. Plus tard, les avis divergents de mes petits camarades me donnent envie d’y aller. Les  fêtes  sont multiples (centenaire du cinéma Hong kongais au Carlton,  Les Belges  au Palm beach, Taking Woodstock au Majestic), mais on termine quand même au Petit Majestic.

3^ème jour. La manque de sommeil commence à se faire sentir pendant les projections. Il a pour effet de favoriser le syndrome de Stendhal.  En tout cas, je me suis toujours donné cette excuse (ou cette justification) pour pleurer pendant les films : pas assez dormi. Alors que c’est peut-être tout simplement une des spécificités du cinéma : dans le secret de la salle obscure, personne ne vous voit pleurer, et vous pouvez y aller tant que vous voulez. Alors qu’en plein jour, des siècles de culture interdisent d’exprimer certaines émotions. Le rire oui,  les larmes non. Au cinéma, c’est presque plus facile de faire pleurer que de faire rire. Mais c’est une autre histoire. Et il y a des degrés de noblesse dans l’émotion produite. C’est facile de toucher en filmant un personnage de dos et le secouer de sanglots. Ca marche presque automatiquement. Ou alors de montrer quelqu’un qui s’effondre à l’annonce de la mort d’un être aimé. C’est ce qui se passe dans Bright star, le film de Jane Campion, qui donne à voir les dernières années de la liaison du poète John Keats avec une fille de famille. Ni plus, ni moins. Ce qui fait tenir le film, c’est l’illustration exquise de Jane Campion. On ne s’ennuie jamais parce qu’il y a toujours quelques plans sublimement composés et photographiés. Mais on frise l’académisme.

Taking Woodstock d’Ang Lee donne plutôt à rire, par moments (Liv Shreiber  fait un hilarant numéro de trave dur à cuire qui propose d’assurer le service d’ordre). Il  évoque par le petit bout de la lorgnette l’évènement musical  (on ne voit jamais la scène). Très habilement, il utilise le point de vue d’un fils d’hôteliers qui tombe par hasard sur la possibilité de faire venir  dans sa cambrousse l’énorme concert , interdit dans le comté voisin. Lee montre  le brusque passage d’une époque à un autre, et comment les promesses du concert  (3 jours de paix, d’amour et de musique) concrétisaient les espoirs de la nouvelle génération. Le film se concentre sur l’amour, que les participants vont explorer sous toutes ses formes.

Une autre comédie est à voir à la Quinzaine : Humpday raconte comment, à la suite d’une soirée arrosée et enfumée, deux copains se lancent un défi impossible : réaliser un porno amateur gay avec eux-mêmes, hétéros farouches , dans les rôles principaux. Largement improvisé, le film est souvent  hilarant, et raconte pas mal de choses sur la difficulté masculine à gérer l’identité sexuelle.

En début de soirée, Martin Scorsese et Thelma Schoonmaker présentent à une assistance gratinée une copie restaurée des Chaussons rouges. Il y a Ang Lee, James Gray, Irvin Winkler, Andrew MacDonald, et une quantité de descendants des principaux auteurs ou contributeurs du film. La soirée est dédiée à Jack Cardiff, en présence de son épouse et de son fils. Je reste pour les deux premières bobines. La photo, l’histoire, les dialogues, l’interprétation sont toujours si forts que le syndrome de Stendhal me reprend. On dira que c’est une émotion purement esthétique, mais quand même justifiée: après tout , il s’agit d’un des plus beaux films du monde.

La traditionnelle fête Canal est fidèle à sa réputation . Cadre différent chaque année (Villa Domergue pour 2009), bar sans fin, bonne zique. Valeur sûre.

Ca commence dur avec Fish Tank, une étude in vitro d’une famille sans hommes , vue par une ado de 15 ans. Pendant que la mère se tape un mec (Michael Fassbender), la fille s’agite comme un poisson dans son bocal (d’où le titre). C’est âpre , viscéral et réaliste, mais heureusement dépourvu des pesanteurs doctrinaires qui plombent ce que fait Ken Loach dans un registre proche.

Kuki Ningyo, de Kore Eda, imagine le parcours d’une poupée gonflable qui prendrait vie, puis apprendrait à parler et à se comporter pour ressembler aux autres filles. Auprès d’un poète, elle apprend que chaque individu ne peut se suffire à lui-même, et qu’ il y a besoin de quelqu’un d’autre pour être rempli. A un moment, la métaphore est acrobatique, et fait penser à une chanson des Cramps (what’s inside a girl), qui posait comme hypothèse que les filles étaient creuses. Le film est  amusant, mais on pourrait le remonter en lui retirant 30 minutes, il serait beaucoup plus fort.

Thirst de Park Chan Wook est un semi déception, même si c’est son meilleur film depuis Old Boy.  Sur le thème du vampirisme, il lance Song Kang Ho dans un rôle de prêtre sceptique qui survit à un virus africain pour rentrer au pays, défroquer ,  découvrir les plaisirs de la chair et surtout du sang. Qu’il prélève de préférence chez les suicidaires, puisqu’il s sont volontaires. Une seconde partie le voit s’ acoquiner avec une femme frustrée, et le film devient une adaptation de Thérèse Raquin avant  d’évoluer encore vers autre chose après un coup de théatre un peu attendu quand même. Le problème du film c’est de multiplier les changements de tons sans arrêt, ce qui neutralise totalement son potentiel horrifique  , en dépit de quelques indéniables fulgurances.  Et pour ce qui est de l’innovation, elle est absente, et remplacée par une frénésie compilatoire à la Tarantino.  Sauf que Park est moins enclin à avouer ses emprunts que Tarantino. Et on laissera encore le mot de la fin à Michael Powell, qui dit des choses intéressantes sur la propriété artistique  par la bouche d’ Anton Walbrook dans Les chausons rouges : « après tout, celui qui est volé est moins à plaindre que celui qui est obligé de voler ».

Fête de la Quinzaine, fidèle à sa réputation : du monde , à boire et la meilleure musique .

A 10 heures, projo de presse du film d’ouverture, Up de Pete Docter, le dernier film Pixar.  On suit le parcours d’un personnage , toute une vie en fait, mais surtout la dernière partie, qui l’amène à s’envoler littéralement pour réaliser un vieux rêve, en souvenir d’un serment fait avec une personne disparue. Ne tournons pas autour du pot : Pixar surprend une fois de plus en maintenant le même niveau stratosphérique de qualité. Depuis un demi siècle, c’est la meilleure ouverture.

Le prologue est si fort qu’il a dû faire pleurer la salle entière. Et il m’a rappelé un souvenir de Cannes : il y a une vingtaine d’années, Michael Powell présentait une copie restaurée d’ Une question de vie ou de mort. Quelqu’un lui a demandé comment il voyait  l’avenir du cinéma, à supposer que toutes les histoires avaient déjà été racontées, et qu’il ne restait plus rien à inventer. Powell  a répondu que le cinéma n’en était qu’à ses débuts, et que de multiples inventions allaient ouvrir de nouvelles portes, et inspirer des idées inédites aux nouvelles générations de cinéastes. Impossible de ne pas penser à ses paroles en voyant Up, un exemple  de créativité née des dernières inventions technologiques : l’image de synthèse, alliée à la 3D.

Et Michael Powell est toujours d’actualité, puisque Martin Scorsese et Thelma Schoonmaker-Powell présenteront une copie neuve des Chaussons rouges dans les jours qui viennent.

Ce soir,  démarrage de la  compétition avec Nuits d’ivresse printanière,  du chinois Lou Ye, frappé d’une interdiction de tourner pendant cinq ans à la suite de la présentation en 2006 d’Une jeunesse chinoise. Avec Nuits d’ivresse, il tente de décrire une sorte de nouveau désordre amoureux chinois en suivant deux couples hétéros qui explosent lorsqu’un homo attire à lui les  deux hommes. Le film passe à côté d’un sujet potentiellement intéressant. Sa description du contexte de la Chine contemporaine est rudimentaire et ne dit  rien sur les répercussions d’une liaison homo risquée sitôt qu’elle est rendue publique. Même le drame intimiste en fonctionne pas, les personnages ne provoquant aucune empathie. Ironiquement, le meilleur réside dans les cartons qui citent quelques passages littéraires d’un roman du début du XXème siècle.

La première fête,  pour Up, est digne du film.  Mais on est déjà demain….